Influente pintora abstrata

(Crédito da foto: Cortesia Los Angeles Times / DIREITOS RESERVADOS)

 

Agnes Bernice Martin (Macklin, Saskatchewan, Canadá, 22 de março de 1912 – Taos, Novo México, EUA, 16 de dezembro de 2004), foi uma pintora americana, cujas pinturas abstratas meticulosas e meditativas estão entre as obras de arte mais honradas e influentes das últimas décadas, cujos campos luminosos de cor pálida atravessados ​​por linhas de lápis desenhadas à mão preservaram o espírito romântico do expressionismo abstrato e prefiguraram as austeridades do minimalismo.

Trabalhando diariamente em seu estúdio, Martin – uma alma solitária e retraída que viveu sozinha toda a sua vida adulta – permaneceu uma artista ativa e talentosa, e suas pinturas são frequentemente exibidas em museus e galerias.

Agnes Bernice Martin nasceu em Macklin, Saskatchewan, Canadá, em 22 de março de 1912, descendente de pioneiros presbiterianos escoceses. Seu pai, um agricultor de trigo, morreu quando ela tinha 2 anos; sua mãe sustentava a família vendendo imóveis. A Sra. Martin passou grande parte de sua infância com seu avô materno, um homem gentil e religioso que a apresentou à literatura inspiradora, incluindo “Pilgrim’s Progress”, de John Bunyan (1628–1688), que permaneceu importante para ela ao longo de sua vida.

Ela teve um forte interesse inicial pela arte, mas optou pela segurança financeira do ensino e, na década de 1940, mudou-se para Nova York para estudar educação artística no Teachers College, Columbia University. Lá tomou conhecimento do Expressionismo Abstrato, o estilo moderno com o qual se sentia mais afinada, em parte porque seus artistas eram de sua geração; ela e Jackson Pollock nasceram no mesmo ano. É possível vê-la como a última da geração dos expressionistas abstratos.

Depois de ouvir palestras do estudioso zen-budista DT Suzuki em Columbia, ela se interessou pelo pensamento asiático, não como uma disciplina religiosa, mas como um código de ética, um guia prático para a vida.

Então ela saiu de Nova York. A renovação urbana estava prestes a alterar drasticamente seu bairro no centro da cidade. O competitivo mundo da arte de Nova York a enervava. Um relacionamento pode ter dado errado. A Sra. Martin, que tinha um histórico de crises psicológicas, disse de forma elíptica: “Cheguei a um ponto de reconhecimento de uma confusão que precisava ser resolvida”.

Antes de partir, ela doou todos os rolos de tinta e tela, esperando que jovens artistas os usassem. Ao voltar a pintar em 1974, porém, trabalhou solidamente até o fim da vida, em um formato que raramente variava: telas de dois metros quadrados nas quais desenhava linhas horizontais de grafite e pintava faixas de cor com traços sutilmente vigorosos. Ela mudou sua paleta de série para série, usando cores claras em um ano e preto, branco ou cinza no próximo.

Ela expôs pela primeira vez na Pace Wildenstein, antiga Pace Gallery, em 1975, e se tornou um dos pilares lá. Sua mostra mais recente foi na primavera e, em um ponto de partida, as pinturas remetem às formas geométricas de seu trabalho Coenties Slip.

Ela teve duas retrospectivas de carreira, uma no Instituto de Arte Contemporânea da Universidade da Pensilvânia em 1973, a outra no Museu Whitney de Arte Americana em 1992. Em 1993, o Museu Stedelijk em Amsterdã organizou uma pesquisa itinerante de seu trabalho pós-1974. Uma seleção de pinturas antigas está em exibição no Dia: Beacon até abril. E uma instalação de pinturas está em exibição permanente em uma galeria especialmente projetada no Harwood Museum of Art em Taos. Seu trabalho está na maioria das principais coleções de museus dos Estados Unidos.

A Sra. Martin foi premiada com uma Medalha Nacional de Artes pelo Presidente Clinton em 1998 e recentemente aceitou um prêmio pelo conjunto de sua obra do Women’s Caucus for Art.

Como suas pinturas, sua escrita era lúcida e severa, comedida, mas dirigida. Ela insistiu que a arte não era um instrumento para a mudança social e, em uma América pós-1960 altamente consciente da identidade racial e sexual, suas visões sociais tendiam a ser conservadoras e provincianas. O valor da arte, em seu pensamento, estava em sua capacidade de neutralizar pensamentos e emoções negativas, promover a calma psíquica sobre o caos e estabelecer estabilidade em um mundo de mudanças imprevisíveis e potencialmente devastadoras.

A Sra. Martin era admirada pela pureza de sua visão artística e era considerada um símbolo de integridade no mundo materialista, às vezes venal, da arte moderna.

Além de suas pinturas aparentemente simples e em forma de grade, ela também escreveu e falou do profundo propósito espiritual da vida artística, dizendo que o objetivo de um artista não é fazer declarações políticas, mas criar beleza duradoura.

“A obra de arte é uma representação de nossa devoção à vida”, escreveu ela. “A enorme armadilha é a devoção a si mesmo e não à vida. Todas as obras que são autodedicadas são absolutamente ineficazes.”

A Sra. Martin estava morando em Nova York no início dos anos 1940, quando Jackson Pollock – seu contemporâneo – e outros artistas criaram a revolução estilística que veio a ser conhecida como Expressionismo Abstrato. No início, ela não seguiu seu caminho, preferindo trabalhar em uma veia figurativa. Mas não foi até que ela estava bem em seus quarenta anos, e abandonou as naturezas-mortas e retratos tradicionais para a abstração, que ela ganhou grande atenção.

Depois de viver no Novo México por vários anos, ela retornou a Nova York em 1957, compartilhando um bairro – além de uma estética geral – com pintores renomados como Robert Rauschenberg, Jasper Johns, James Rosenquist e Ellsworth Kelly. No início da década de 1960, Martin reduziu sua arte a uma forma rígida e ordenada de abstração geométrica, engenhosamente organizando tintas a óleo e acrílicas sutilmente sombreadas em telas grandes de 1,80 m².

A simplicidade de seu estilo partiu das pinturas de Pollock e alguns outros expressionistas abstratos, mas as linhas horizontais de cores delicadamente sombreadas de Martin evocaram uma resposta poderosa entre os espectadores. Como resultado, mesmo rejeitando o rótulo, ela se associou à escola de pintura chamada Minimalismo, com ênfase em linhas visuais rígidas e emoções silenciosas.

“O trabalho de Agnes Martin foi minimamente elegante e dá definição a essas duas palavras”, disse Earl A. Powell, diretor da National Gallery of Art. “Seu trabalho era suave, calmo, sereno e contemplativo. Ela fez uma enorme contribuição para a arte do pós-guerra.”

Agnes Bernice Martin nasceu em 22 de março de 1912, em Maklin, Saskatchewan. Ela veio para os Estados Unidos quando tinha 19 anos, estudando no que hoje é a Western Washington University em Bellingham, Washington. Ela ensinou em escolas secundárias no estado de Washington, Delaware e Novo México nas décadas de 1930 e 1940. Ela recebeu bacharelado e mestrado em arte pela Universidade de Columbia em Nova York, onde viveu por longos períodos de 1940 a 1960.

Ela sempre foi atraída pelas vistas abertas do oeste, no entanto, e em 1967 deixou Nova York para visitar o país em uma picape e trailer. Ela parou de pintar por sete anos, entretanto construindo uma casa de adobe no Novo México à mão.

Quando voltou a pintar, adotou uma paleta de tons suaves de marrom, bege, cinza e branco, às vezes aquecido por suaves lavagens de rosa, laranja ou azul. As cores e títulos, como “Montanhas”, “Rio Escuro”, “Luz das Estrelas” e “Folha ao Vento”, sugeriam a paisagem e os céus de seu Novo México adotivo. Não eram representações realistas, mas sim evocações sutis das sensações e do peso emocional do mundo natural.

Hilton Kramer, o crítico e editor muitas vezes mal-humorado do New Criterion, descreveu o trabalho de Martin como “como uma declaração religiosa, quase uma forma de oração”.

Se não for amplamente conhecida pelo público em geral, suas pinturas são apreciadas por colecionadores e estão alojadas em muitos museus importantes, incluindo a Galeria Nacional de Arte, o Museu Hirshhorn, o Museu de Arte Moderna e o Museu Whitney de Arte Americana. Suas pinturas em tamanho real costumam ser vendidas por mais de US$ 1 milhão.

A Sra. Martin levou uma vida de solidão por opção. Ela morava em um apartamento de um quarto em sua comunidade de aposentados, com apenas uma obra de arte nas paredes: um pôster de sua amiga e colega artista do Novo México, Georgia O’Keeffe. Ela gostava de música clássica, mas não possuía uma televisão ou um aparelho de som. Sua única indulgência era um Mercedes-Benz branco.

Ela também repudiou a política e qualquer conexão com o movimento feminista. Em 1967, quando foi homenageada pela Harper’s Bazaar como uma das 100 “Mulheres de Realização”, ela compareceu ao almoço vestindo mocassins, saia e blusa sem ferro.

Em 1989, ela foi introduzida na Academia Americana de Artes e Letras e recebeu uma Medalha Nacional de Artes do National Endowment for the Arts em 1998.

Apesar de sua natureza reclusa, ela frequentemente falava publicamente sobre arte, às vezes com base em sua própria poesia e nos comentários aforísticos coletados em um livro de 1998, “Writings”.

“Quando penso em arte, penso em beleza”, escreveu ela. “A beleza é o mistério da vida. Não está nos olhos, está na mente.”

Ela não deixa sobreviventes.

Agnes Martin, exibida em 1997, era admirada pela pureza de sua visão artística. Suas pinturas são apreciadas por colecionadores.

Agnes Martin faleceu em 16 de dezembro de 2004 em uma comunidade de aposentados em Taos, Novo México.

Ela tinha 92 anos e morava no Novo México há muitos anos. Sua morte foi anunciada pelo presidente da galeria PaceWildenstein, Arne Glimcher, seu amigo e negociante de longa data.

Antes de sua morte, a Sra. Martin especificou que não queria nenhum serviço fúnebre ou elogios. Ela não deixa sobreviventes.

(Fonte: https://www.nytimes.com/2004/12/17/arts/design – New York Times Company / ARTES / DESIGNER / Por Holland Cotter – 17 de dezembro de 2004)

(Fonte: https://www.washingtonpost.com/archive/local/2004/12/18 – Washington Post / ARQUIVO / Por Matt Schudel – 18 de dezembro de 2004)

© 1996-2022 The Washington Post