Georgia O’Keeffe, criadora de naturezas mortas no deserto

Georgia O’Keeffe com chapéu, NM 1960 ©Tony Vaccaro/Tony Vaccaro Studio

 

Georgia Totto O’Keeffe (Sun Prairie, Wisconsin, 15 de novembro de 1887 – Santa Fé, Novo México, 6 de março de 1986), foi criadora de naturezas mortas no deserto que exteriorizou sua busca pelas verdades eternas em uma série de pinturas cristalinas, tornando-a a indiscutível imperatriz da arte da América.

Mais recentemente, homenageada por seu país com a Medalha da Liberdade em 1977, ela era uma garota que serviu de modelo fotográfico para seu marido, o mestre fotógrafo Alfred Stieglitz (1864-1946), que então se tornou uma pintora que desafiava qualquer definição ou categorização. A busca pelo significado cósmico que ela buscou em sua paleta a levou ao isolamento absoluto de seu amado Novo México, com seus crânios de animais descoloridos e flores exóticas que cresciam no deserto que era seu quintal. E com sua morte ela se tornou, se não um tesouro nacional, uma das peças de museu mais reverenciadas da América.

Em essência, havia duas Georgia O’Keeffes, a amante sensual e nua que Stieglitz romantizou em uma série de mais de 500 fotografias de cada centímetro de seu corpo. Esse ser sexual, considerado escandaloso nos primeiros anos do século 20 em todos os círculos menos avant garde, desde então tem sido visto na maioria dos melhores museus de arte moderna do mundo. A segunda Georgia O’Keeffe era a viúva privada, senão reclusa, que rondava o deserto, capturando a morte na tela por meio dos ossos pélvicos de gado caído que literalmente pulava no espectador por causa do céu azul turbulento que ela colocava atrás deles. Essa foi a mulher como artista, uma artista que flutuou confortavelmente e frequentemente pelo regionalismo, surrealismo e abstracionismo.

Nascido em Família de Agricultores

Esses dois seres complexos começaram como um só em Sun Prairie, Wisconsin, em 15 de novembro de 1887, onde Georgia O’Keeffe nasceu, a segunda de sete filhos em uma família de fazendeiros confortável, embora não abastada. Ela frequentou a escola rural perto de sua casa e, refletindo a gentileza de sua família, com duas irmãs ia à cidade um dia por semana para aulas de pintura.

Em um extenso perfil publicado em 1974 no New Yorker, ela se lembra de ter contado a uma amiga de infância quando tinha apenas 10 anos que seria uma artista. Em outra entrevista, ela disse que fez essa escolha porque “era a única coisa que eu podia fazer e que não era da conta de ninguém. . . . Eu poderia fazer o que quisesse porque ninguém se importaria.”

A saúde de seu pai começou a piorar e a família mudou-se para a Virgínia quando ela tinha 14 anos para escapar dos invernos de Wisconsin. Na Virgínia, a camponesa adolescente frequentou um internato e depois se matriculou no Art Institute of Chicago. Mas ela contraiu febre tifóide e foi forçada a se ausentar da escola por um ano inteiro. Ela retomou sua educação artística em 1907, mas desta vez em Nova York, onde logo começou a ganhar notoriedade por suas pinturas de naturezas-mortas. Foi também nessa época que a garota Georgia O’Keeffe começou a chamar a atenção.

A febre tifoide a deixara careca e os cabelos que iam surgindo aos poucos vinham crespos. O penteado austero, quase inexistente, juntamente com seus traços finamente esculpidos, fizeram dela uma modelo popular na Arts Students League e forneceram a experiência em posar que Stieglitz capitalizou anos depois.

Ela observou uma vez que ser modelo nunca foi uma experiência confortável para ela e pode ter contribuído para que ela preferisse objetos inanimados para suas pinturas.

Mas uma certa inquietação afetava seu trabalho. Embora a representação de um coelho ao lado de uma panela de cobre lhe rendesse um prêmio, os estilos de pintura elegantes então em voga a desanimaram e ela se retirou não apenas da escola de arte, mas da própria pintura por vários anos.

“Eu me peguei dizendo a mim mesma”, disse ela muitos anos depois. . . “Não posso viver onde quero. . . Eu não posso ir para onde eu quero. . . . Eu não posso fazer o que eu quero. . . Decidi que era um tolo muito estúpido por não pelo menos pintar como queria e dizer o que queria quando pintava, pois parecia ser a única coisa que eu poderia fazer que não dizia respeito a ninguém além de mim.

Tornou-se um professor

Miss O’Keeffe foi para Chicago e desenhou para anúncios. Em seguida, ela decidiu se tornar professora e mudou-se para Amarillo, Texas, onde ensinou arte. Ela também lecionou no Columbia College na Carolina do Sul e em 1915 voltou para Nova York para estudar com Arthur Dow e Alon Bement.

Esses dois homens, especialmente Dow, reviveram seu interesse adormecido pela pintura.

“Foi Arthur Dow quem. . . me ajudou a encontrar algo para mim”, disse ela. “Ele me ensinou a importância do design, de preencher o espaço de maneira bonita.”

Ela voltou para o Texas, para ensinar e também para desenhar. Alguns desses primeiros desenhos a carvão logo mudaram toda a sua vida.

Miss O’Keeffe os havia enviado, embrulhados em papel pardo, para um amigo em Nova York – apenas para manter a ex-colega de quarto da faculdade ciente do que ela estava fazendo. A amiga, Anita Pollitzer, era admiradora e conhecida casual de Stieglitz, então no auge de sua reputação não apenas como fotógrafo, mas também como dono de uma galeria onde Matisses, Picassos e outros curiosos modernistas da época podiam ser comprados.

O ano era 1916 e os desenhos a carvão de uma professora texana de 29 anos impressionaram o empresário estético de 53 anos. “Finalmente, uma mulher no papel”, disse ele no que se tornou uma observação famosa, embora apócrifa.

Senti-me traído

Mas a senhorita O’Keeffe se sentiu traída por sua amiga, reclamando que os desenhos eram muito fáceis para o exame público. Em sua próxima visita a Nova York, ela insistiu que Stieglitz os removesse de sua galeria.

Ela discutiu, mas seu futuro marido prevaleceu. “Ele era um bom falador”, lembrou ela.

Novamente ela voltou ao Texas, mas desta vez com uma oferta de Stieglitz para pagar suas despesas por um ano para que ela pudesse dedicar todo o seu tempo à pintura. Ela aceitou a oferta e se estabeleceu em Nova York, envolvendo-se com Stieglitz pelo que viria a ser o resto de sua vida.

Stieglitz gostava de dizer que suas galerias eram exposições experimentais de arte, não apenas salas onde se podiam comprar pinturas. Em Nova York, Miss O’Keeffe logo descobriu que estava absorvendo algumas das qualidades dos jovens artistas ao seu redor, descartando outras técnicas e estilos e – em poucos anos – desenvolveu um estilo rígido tão incomum que nenhum dos pinturas em sua primeira exposição (1923) foram até assinadas. No entanto, todos os que viram aquela exposição, “Cem Imagens”, reconheceram seu criador.

Marcou a primeira das exposições individuais que Stieglitz apresentou até sua morte em 1946.

A retrospectiva inicial de seus primeiros trabalhos foi realizada no Brooklyn Museum of Art em 1927. Mais tarde, seu trabalho atraiu multidões para o Art Institute of Chicago, o Dallas Museum of Fine Arts e o Museum of Modern Art na cidade de Nova York.

Quando ela morreu, suas pinturas pertenciam a mais de 50 museus e formavam a maior parte de muitas coleções particulares.

Pintou o familiar

Como ela faria mais tarde no Ocidente, ela agora estava fazendo no Oriente – pintando o familiar, o conveniente. Um de seus primeiros esforços premiados foi “The Shelton With Sun Spots”, um exame de 1926 do horizonte de Nova York. Ela e Stieglitz se casaram em 1924 e alugaram um apartamento no alto do Shelton Hotel.

Eles saíram de férias para Lake George e ela voltou com “Lake George Window”. Agora ela estava começando a reinventar a natureza, pintando flores gigantes de flores em miniatura. Dois de seus primeiros esforços, “Tulipa” e “Papoilas”, permanecem entre suas pinturas mais lembradas.

Suas viagens se expandiram e em algum momento no final da década de 1920 ela descobriu o Novo México (embora ela tivesse passado por um trem anos antes). “Gate of Adobe Church” (1929) é uma lembrança permanente de uma daquelas primeiras visitas em que ela descobriu que os significados da vida poderiam ser expressos usando os crânios de cavalos e vacas ou através de uma lua cheia que brilhava desimpedida em uma noite imaculada no deserto . Aos poucos ela foi trocando as criações do homem pelas obras da natureza.

A partir de então, Stieglitz continuou a passar férias em Lake George. Mas sozinho. Sua esposa estava gastando cada momento livre descobrindo que uma flor artificial presa no olho do crânio de um cavalo pode retratar tanto a vida quanto sua alternativa (“Crânio de Cavalo com Rosa Rosa” 1931).

Ela amadureceu e cresceu com e além de Stieglitz.

Vista de Stieglitz

“Eu vejo Alfred como um homem velho de quem gosto muito – envelhecendo – de modo que às vezes fico chocado e assustado quando ele parece particularmente pálido e cansado. . . . Sinto que ele foi muito importante para algo que fez meu mundo para mim. Gosto de poder fazê-lo sentir que seguro sua mão para estabilizá-lo enquanto ele continua.

Ela também comentou sobre as diferenças na pintura nos altos desertos do Novo México e nas montanhas Adirondack de Nova York.

“Lake George não é realmente um país de pintura”, disse ela. “ . . . Metade do seu trabalho já está feito para você.”

Ela se estabeleceu primeiro em Taos, em uma casa que DH e Frieda Lawrence ocuparam brevemente. Mais tarde, após a morte de Stieglitz, quando a mudança para o oeste se tornou permanente, ela encontrou um adobe desordenado e devastado em Abiquiu que ela restaurou e que lhe deu uma visão direta das montanhas. As únicas coisas entre a artista e seu modelo eram as flores e vegetais que ela havia plantado.

O cabelo, antes escuro, agora estava ficando grisalho, mas sempre puxado para trás severamente em seu rosto. Nada interrompeu sua visão.

Suas pinturas, vendidas por alguns milhares de dólares na década de 1920, agora estavam rendendo consideravelmente mais e suas despesas eram mínimas. Ela manteve um casal de criados, doou generosamente para mexicanos-americanos e índios necessitados que compunham a pequena população de sua aldeia adotiva e até ajudou a modernizar o sistema de água de Abiquiu.

Ginásio da Cidade Construída

Ela construiu um ginásio na cidade para que as crianças que ela nunca teve pudessem ter um lugar para ir depois da escola.

O interior de sua casa era tão rígido quanto muitas de suas pinturas. Móveis simples competiam por espaço com as pedras que ela coletava no chão do deserto. As paredes eram feitas de terra compactada de sua nova terra. Algumas pinturas estavam nas paredes, mas muito poucas dela. Uma exceção foi “Sky Above Clouds”, uma de uma série centrada na terra, céu e nuvens que ela fez depois de experimentar viagens aéreas e um tema que predominou em seus últimos anos.

Seu trabalho, redescoberto por novas gerações no Whitney Museum de Nova York em 1970 e em 1977 em um documentário de televisão nacional, continuou a ser uma forma simplificada contra vastos espaços de cor.

No final de sua vida, ela foi vista constantemente com Juan Hamilton, um amigo quase 60 anos mais novo que ela e um oleiro cujos desenhos refletem fortemente o deserto que eles compartilhavam. Ela o empregou originalmente como faz-tudo, mas nos últimos anos ele se encarregou de organizar seus novos shows.

Aparição Pública Rara

Em 1983, ela fez uma rara aparição pública (usando os vestidos branco e preto que se tornaram sua marca registrada) e viajou a Washington para uma exposição de fotos de Stieglitz, a primeira retrospectiva de seu trabalho em quase 50 anos. Ela deixou a cidade tão silenciosamente quanto havia chegado.

Embora ela fosse um símbolo de libertação para as mulheres do final do século 20, ela se recusou firmemente a servir suas causas. “Eles nunca me ajudaram”, disse ela sobre eles. “Os homens me ajudaram.”

Em 1974, ela disse ao entrevistador do New Yorker que se considerava “muito sortuda”.

” . . . De alguma forma, o que pintei acabou se encaixando na vida emocional do meu tempo. . . . Muitas vezes tive a sensação de que poderia ter sido um pintor muito melhor e ter muito menos reconhecimento. É que o que eu faço parece comover as pessoas hoje de uma forma que eu não entendo. . . .

“De vez em quando, quando tenho uma ideia para uma foto, penso que é comum. Por que pintar aquela velha rocha? Por que não dar um passeio em vez disso?

“Mas então percebo que para outra pessoa pode não parecer comum.”

Georgia O’Keeffe faleceu na quinta-feira 6 de março de 1986.

A senhorita O’Keeffe morreu no Hospital St. Vincent em Santa Fé, Novo México, disse o porta-voz do hospital, Charles Cullen. Ele disse que ela havia se mudado para Santa Fé no verão passado de sua remota casa de adobe no deserto em Abiquiu.

Ela tinha 98 anos e havia sobrevivido a seu bando de contemporâneos talentosos por dezenas de anos.

(Crédito: https://www.latimes.com/archives/la-xpm-1986-03-07- Los Angeles Times/ ARQUIVOS/ ENTRETENIMENTO E ARTES/ POR  BURT A. FOLKART/ ESCRITOR DA EQUIPE DO TIMES – 7 DE MARÇO DE 1986)

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