Powered by Rock ConvertHyman Bloom, foi um pintor do místico
Hyman Bloom, à esquerda, em 1996, em seu estúdio, em Nashua, NH. (Crédito da fotografia: Pam Berry/The Boston Globe)
Hyman Bloom (nasceu em 29 de março de 1913 em Bauska na Letônia – faleceu em 26 de agosto de 2009, em Nashua, Nova Hampshire), foi um pintor místico e recluso que por um breve período nas décadas de 1940 e 1950 foi considerado um precursor dos expressionistas abstratos e um dos mais importantes artistas americanos da era pós-Segunda Guerra Mundial.
A arte do Sr. Bloom misturava exuberância barroca e cores semelhantes a joias. Suas influências históricas variaram de Grünewald e Rembrandt, a Redon e Rouault, à arte tântrica indiana e à pintura chinesa. Suas imagens muitas vezes caíam no lado alucinatório do visionário e podiam ser conflitantes, até mesmo repulsivas: lâmpadas de sinagoga cintilantes de luz, espíritos translúcidos evocados em sessões espíritas, corpos estripados em mesas de autópsia. Suas pinturas eram difíceis de amar, mas não são facilmente esquecidas.
Ele nasceu na Letônia em março de 1913, numa época em que os judeus da Europa Oriental, apanhados nos confrontos entre forças concorrentes alemãs, russas e cossacas, viviam com medo constante de pogroms. Em 1920, seus pais partiram para os Estados Unidos e se estabeleceram em Boston, onde mudaram o nome de Melamed para Bloom e se juntaram a milhares de outros imigrantes nas favelas do West End da cidade.
Calmo e sonhador, aos 14 anos Bloom ganhou uma bolsa para estudar desenho no Museu de Belas Artes de Boston. Ao mesmo tempo, ele se matriculou em aulas de arte em um assentamento onde seu professor, Harold K. Zimmerman, o ensinou a trabalhar a partir da memória, em vez de diretamente a partir de modelos, e a usar a arte como veículo para emoções intensas. Zimmerman apresentou-o ao trabalho de William Blake e, através de Blake, à ideia de que era possível pintar o metafísico, retratar visualmente as verdades espirituais.
Na década de 1930, quando Bloom trabalhava para o Federal Arts Project em Boston, sua pintura virtuosa chamou a atenção do diretor do projeto, Holger Cahill (1887-1960), cuja esposa, Dorothy C. Miller, era curadora do Museu de Arte Moderna de Nova York. Iorque. Ela colocou 13 fotos de Bloom em “Americans 1942”, a prestigiosa pesquisa periódica de arte nova do museu. Foi sua primeira exposição em qualquer lugar.
Outros seguiram rapidamente, em galerias de Nova York e Boston. Ele foi incluído na Carnegie International de 1949 e depois na Bienal de Veneza de 1950, junto com Arshile Gorky (1904-1948), William de Kooning e Jackson Pollock. Quando uma retrospectiva itinerante de seu trabalho apareceu no Whitney Museum of America Art, o influente crítico e curador Thomas Hess (1920–1978) escreveu no Art News que “Bloom aos 40 anos é um dos pintores mais destacados de sua geração”. De Kooning e Pollock o identificaram como o primeiro expressionista abstrato da América.
No entanto, nem todas as respostas foram favoráveis. Alguns críticos tiveram fortes reações negativas às suas cenas gráficas de autópsia e deploraram o tema geral de desintegração em sua arte. Outros rejeitaram o seu conteúdo religioso, que Hilton Kramer, escrevendo para a Commentary, comparou a “encontrar peixe gefilte numa festa da moda”. Ninguém sabia exatamente o que fazer com suas representações exóticas, em estilo simbolista, de visitas fantasmagóricas.
A resposta de Bloom, citada num ensaio de catálogo de 1996 da historiadora de arte Dorothy Abbott Thompson, foi que ele queria tornar o significado da morte “mais compreensível, ainda mais aceitável, mais familiar, mais cognoscível”.
“Pensei nisso como um esforço muito positivo”, acrescentou. Ele definiu o “sentimento judaico” em sua arte como “um choro do coração”.
Bem antes de sua carreira começar, ele ficou intrigado com várias formas de pensamento ocultista. Ele alegou ter tido, em 1939, uma experiência única, traumática e transformadora de consciência cósmica, uma súbita “convicção de imortalidade, de ser parte de algo permanente e em constante mudança, de metamorfose como a natureza do ser”.
“Tudo era intensamente lindo”, ele foi citado no ensaio, “e eu tive um sentimento de amor maior do que jamais tive antes”.
Ele participou de reuniões na Sociedade de Pesquisa Psíquica em Boston e participou de sessões espíritas, embora não alegasse ter poderes psíquicos e nunca tenha realmente testemunhado uma materialização. Ele mergulhou na teosofia e no Vedanta, atraído por suas associações asiáticas.
O seu investimento no misticismo judaico, embora não ortodoxo, foi profundo, contrabalançando o seu impulso de ver a vida como uma competição darwiniana brutal. Alguns críticos consideraram suas pinturas de autópsia uma resposta pessoal à Segunda Guerra Mundial.
Todos esses elementos, manifestados enfaticamente em sua arte, moldaram e limitaram seu público. E dois fatores específicos levaram a uma rápida queda em desgraça. Na década de 1950, a abstração foi adotada como o modo progressivo e o Sr. Bloom nunca fez um trabalho completamente abstrato. E numa altura em que Nova Iorque se estava a transformar numa importante base de poder internacional para a arte, ele permaneceu em Boston.
Lá ele viu poucos visitantes. Ele mergulhou na música clássica indiana, iniciou a psicanálise de longa duração e experimentou, sob supervisão médica, drogas psicodélicas.
De 1962 a 1972, inspirado pela paleta redutiva da arte da dinastia Song da China, o Sr. Bloom abandonou a pintura em favor do desenho a carvão. Suas pinturas a óleo de densas florestas da Nova Inglaterra, do final da década de 1970, são carregadas do tipo de energia perturbada e extática encontrada no trabalho de Samuel Palmer (1805–1881) e do excêntrico gravador francês Rodolphe Bresdin (1822-1885). Na década de 1980 surgiram grandes e luxuriantes naturezas-mortas de potes e vasos Art Nouveau iridescentes que parecem estar se fundindo com o espaço palpitante ao seu redor.
Bloom continuou a expor – regularmente em Boston, e de forma mais intermitente em outros lugares. Em 1996, o Fuller Museum of Art em Brockton, Massachusetts, organizou uma retrospectiva completa. A Academia Nacional de Design de Manhattan organizou outra em 2002. Uma exposição itinerante, “Hyman Bloom: Um Abraço Espiritual”, foi inaugurada na Universidade Yeshiva, em Manhattan, em 13 de setembro.
Bloom, que reconhecia que suas pinturas de rabinos eram, intencionalmente ou não, autorretratos, raramente admitia visitantes em seu estúdio e, quando o fazia, voltava todas as pinturas em andamento para a parede, como se não estivesse disposto a permitir que trabalhos imperfeitos fossem destruídos. visto. Embora tenha trabalhado quase até sua morte, ele foi exigente e deixou uma obra relativamente pequena que é coletivamente distinta e insistentemente comunicativa, peça por peça.
Ele disse que uma pintura é concluída “quando o clima é tão intenso quanto possível”.
“Quando um dia de trabalho foi bem-sucedido e você tem um sentimento de intensidade e unidade com o trabalho”, disse ele, “esse é o trabalho que você deseja manter”.
Hyman Bloom faleceu na quarta-feira 26 de agosto de 2009 em Nashua, Nova Hampshire. Ele tinha 96 anos e morava em Nashua.
Ele se casou duas vezes. Ele deixa sua segunda esposa, Stella.
(Créditos autorais: https://www-nytimes-com.translate.goog/2009/08/31/arts/design – The New York Times/ ARTES/ DESIGNER/ Por Holanda Cotter – 31 de agosto de 2009)
© 2009 The New York Times Company
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