Takahiko Iimura, videoartista pioneiro e cineasta experimental

 

 

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Takahiko Iimura (nasceu em 20 de fevereiro de 1937, Tóquio, Japão – faleceu em 31 de julho de 2022), foi uma figura pioneira na arte midiática e no cinema expandido, um artista e cineasta cujas primeiras experiências com vídeo durante a década de 1970 o tornaram um dos primeiros a usar o meio para fins artísticos.

Os filmes experimentais de Iimura dos anos 60 lhe renderam seguidores no underground de Nova York, onde seus primeiros admiradores incluíam o cineasta Jonas Mekas. Esses primeiros trabalhos refletiram sobre a materialidade do cinema como meio, explorando conceitos como natureza do tempo e projeção. Mais tarde, ele aplicou essa abordagem ao vídeo quando começou a usar uma câmera Portapak em 1970.

Nascido em 1937 em Tóquio, Iimura foi um dos poucos cineastas que trabalhou fora do sistema comercial japonês durante os anos 60, e por isso os seus primeiros trabalhos foram exibidos em galerias de arte. Mesmo quando veio para os EUA em 1966, os seus trabalhos continuaram a ser exibidos tanto em ambientes teatrais como em galerias, em parte devido ao facto de alguns dos seus trabalhos em vídeo e cinema serem instalações.

Iimura ficou fascinado pelo dadaísmo e pelo surrealismo na adolescência e começou a escrever poesia dadaísta quando ainda estava no ensino médio. Depois de se formar no departamento jurídico da Universidade de Keio em 1959, ele começou a produzir filmes experimentais de 8 mm e 16 mm no início dos anos 1960. Seus colaboradores frequentes na época incluíam a artista Yoko Ono, o pintor Genpei Akasegawa, o compositor Takehisa Kosugi e o dançarino de butô Tatsumi Hijikata. Seu filme de dez minutos Ai (Love) (1962) apresenta close-ups íntimos e obscuros de partes do corpo humano com trilha sonora de Ono, mas não foi muito apreciado quando foi exibido pela primeira vez em Tóquio em 1963.

No ano seguinte, Iimura tornou-se membro fundador do coletivo de cineastas independentes Film Independants, um grupo que produzia e exibia filmes experimentais, com os colegas cineastas Yoichi Takabayashi (1931 – 2012) e Nobuhiko Obayashi (1938 – 2020), bem como outros cineastas e críticos. No mesmo ano, Iimura, Takabayashi, Obayashi e Donald Richie ganharam um prêmio especial no terceiro Festival Internacional de Cinema Experimental organizado pelo Royal Belgian Film Archive. Seu trabalho vencedor , Onan (1963), retrata um homem esfaqueando fotos de mulheres nuas com um hot rod, depois se masturbando e dando à luz um ovo de plástico que ele tenta compartilhar com uma mulher. Em dezembro de 1964, eles realizaram um evento de exibição no Kinokuniya Hall em Shinjuku e convidaram o público a participar enviando filmes de dois minutos.

Entre os primeiros trabalhos a ganhar fama de Iimura estava Ai , de 1962. (Love), de 1962, um filme de um casal fazendo sexo, com fotos de seus corpos deliberadamente abstraídas para distorcer o ato e contornar as leis de censura japonesas. A artista Yoko Ono forneceu a trilha sonora do filme.

Quando Iimura mostrou o trabalho no museu da Universidade de Yale em 1966, o Yale Daily News informou que uma “multidão entusiasmada e indisciplinada” de cerca de 1.000 pessoas havia invadido o espaço, exigindo ver o que chamaram de “movimento de pele”. A polícia acabou barrando a entrada na abertura. Nesse mesmo ano, um programa de verão na Universidade de Harvard o trouxe para os EUA, e ele se mudou para Nova York após o seu término. Iimura morou em Nova York até 2018, quando voltou para Tóquio.

Após suas primeiras aventuras no cinema experimental, em 1966, mudou-se para Nova York com uma bolsa da Universidade de Harvard. Durante seus anos nos Estados Unidos, começou a produzir vídeos e a explorar possibilidades de cinema expandido. Seu filme Ai (Love) foi muito elogiado pelo cineasta Jonas Mekas, que liderava o movimento underground em Nova York na época, e Iimura tornou-se um participante ativo na comunidade cinematográfica e artística de vanguarda. Na década de 1970, ele começou a criar vídeos que examinavam sua própria identidade e documentavam sua experiência em Nova York. Por exemplo, seu vídeo de canal único Self-Identity (1972–74), inspirado no ensaio de Jacques Derrida de 1967, Speech and Phenomena , grava-se repetindo falas como “Eu sou Takahiko Iimura” ou “Eu” na frente da câmera, em vezes em sincronia e fora de sincronia com o som.

A partir de meados da década de 1970, derivado do seu interesse pela sincronicidade das imagens tanto na câmera quanto na tela, ele começou a questionar e desmontar a semiótica do vídeo e sua relação com o espectador. Ele frequentemente incorpora projeções duplas, o que questiona o formato “uma tela, um projetor”. Ele explorou a relação entre a câmera e o monitor, por exemplo, em uma trilogia de obras de 1975-76, incluindo Observer/Observed (1975), na qual criou um loop com câmeras observando umas às outras. Esses experimentos levaram ao seu trabalho mais conhecido, This Is A Camera Which Shoots This (1980), que compreende dois pares de câmeras de vídeo e monitores frente a frente com o título do trabalho impresso em letras pretas no meio da parede atrás eles. Ele explicou: “No vídeo você pode filmar ao mesmo tempo que projeta, onde a câmera como sujeito se torna simultaneamente o objeto. . . Desta forma mostrei a dupla identidade de uma câmera e transmiti a correspondência entre palavras e imagens.” Da mesma forma, em TV for TV (1983), dois monitores de TV transmitem frente a frente. Como resultado, os seus ecrãs são exclusivos para eles próprios, à medida que as televisões se tornam os seus próprios públicos.

Os trabalhos de Iimura daquela época – e do restante de sua carreira – derivaram de uma compreensão do cinema que foi orientada por sua educação no Japão. Observando que a palavra para “filme” em japonês é 映画 ( eiga , ou “imagem refletida”), ele escreveu que sua produção cinematográfica buscava iniciar uma experiência bastante diferente do cinema tradicional.

“A ‘imagem refletida’ enfatiza um estado – não um movimento – um estado em que uma imagem é refletida através da luz – e não uma imagem que se move”, escreveu ele certa vez. Nesse mesmo ensaio, ele lembrou que o primeiro filme que viu foi uma lanterna em um festival de uma vila no Japão.

As experiências iniciais do artista com vídeo são, pelos padrões atuais, lo-fi e de aparência simples, mas para a época, elas estavam alinhadas com um impulso de aproveitar o imediatismo do meio em direção a meios altamente conceituais. Eles envolviam a divisão de som e imagem, usando feeds ao vivo, atrasos e muito mais para fazer seus vídeos parecerem fora de sincronia. Em Self-Identity (1972–74), por exemplo, Iimura gravou a si mesmo falando frases como “Eu não sou Takahiko Iimura”; em alguns momentos, frases como “Eu sou Takahiko Iimura” são ouvidas, mas não entoadas, e Iimura permanece em silêncio.

TV for TV (1983), uma das obras mais famosas de Iimura, traz dois aparelhos de TV frente a frente. Eles transmitem dois canais separados que são transmitidos ao vivo, embora suas imagens sejam em sua maioria mantidas fora da vista de quem olha para a escultura, causando um curto-circuito na explosão de informação televisual que estava sendo sentida por muitos na época.

A arte de Iimura foi amplamente exibida em museus ao longo de sua carreira, entre eles o Jeu de Paume em Paris, que montou uma retrospectiva de seu trabalho em 1999. O Whitney Museum montou uma mostra de sua arte para duas pessoas com Shigeko Kubota em 1979, e seu trabalho foi apresentado na pesquisa histórica de videoarte do Museu de Arte Moderna de 1983. TV for TV  foi incluída na pesquisa de 2018 “Before Projection: Video Sculpture 1974–1995”, que apareceu no MIT List Visual Arts Center em Cambridge, Massachusetts, e no SculptureCenter em Nova York.

Ele realizou uma exposição dupla com o colega videoartista Shigeko Kubota, residente em Nova York, em 1979, intitulada “New Video” no Whitney Museum of American Art, que destacou seus trabalhos baseados em performance e instalações interativas. Na década de 1990, seus trabalhos foram exibidos em várias exposições coletivas importantes, incluindo “Arte Japonesa Depois de 1945: Scream Against the Sky” (1994) no Museu Solomon R. Guggenheim de Nova York e “The American Century, Part II” (1999–2000) no Museu Whitney.

Seus trabalhos foram exibidos em museus no Japão, incluindo o Museu Hara de Arte Contemporânea, o Centro Nacional de Arte de Tóquio e o Museu Metropolitano de Fotografia de Tóquio, bem como internacionalmente em instituições como a Tate Modern de Londres, o Filmmuseum de Munique e o Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía em Madrid.

Ao longo dos anos, Iimura também publicou vários livros sobre cinema e a comunidade artística em que esteve envolvido, incluindo a influente publicação japonesa sobre cinema experimental, Geijutsu to higeijutsu no aida (Entre Arte e Não-Arte) (1970); uma biografia de Yoko Ono (1985); e New York Art Diary (1988), que reflete sobre suas experiências pessoais e a cena artística ao longo das décadas de 1970 e 1980 em Nova York.

Takahiko Iimura faleceu aos 85 anos de pneumonia por aspiração. Um representante da Microscope Gallery de Nova York, que o representa, confirmou sua morte.

(Créditos autorais: https://www.artnews.com/art-news/news – ARTNEWS/ NOTÍCIAS/ POR ALEX GREENBERGER – 4 de agosto de 2022)

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(Créditos autorais: https://artasiapacific.com/news – ArtAsiaPacific/ NOTÍCIAS/ POR PAMELA WONG – 17 DE AGOSTO DE 2022)

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