Teresinha Soares, artista brasileira por trás de obras com teor erótico que desafiavam tabus de forma sutil

Teresinha Soares com a sua obra Camas (1970).©Atelier Teresinha Soares/Cortesia espólio do artista e Gomide & Co.

 

 

Teresinha Soares (nasceu em 1927 em Araxá, Minas Gerais – faleceu em 31 de março de 2026 em Belo Horizonte), artista brasileira cujas pinturas e instalações das décadas de 1960 e 70 desafiaram as convenções de gênero sobre como as mulheres eram tratadas na sociedade brasileira e representadas ao longo da história da arte.

Figura chave do movimento Nova Figuração brasileiro e por vezes associada à Nova Objetividade, Teresinha Soares é mais conhecida por suas silhuetas minimalistas de figuras em cores vibrantes. A arte de Soares possui um certo erotismo, com suas mulheres de curvas generosas e voluptuosas.

“Considero o corpo o eixo da minha poética”, disse ela à Tate Modern em uma entrevista de 2015. “Minha prática, considerada vanguardista na época, continua contemporânea porque se concentra em todas as questões que ainda são relevantes hoje: os tabus do sexo, as relações entre homens e mulheres, os encontros e desencontros, as mulheres exigindo respeito na sociedade contemporânea, ainda lutando por direitos e liberdade.”

Para a época, sua obra era provocativa por mostrar uma mulher que não tinha medo de abordar a sexualidade feminina e a opressão que as mulheres sofriam em uma sociedade dominada por homens. Ela era frequentemente atacada pela imprensa brasileira por seu trabalho, com manchetes que variavam de “Pintora que escandaliza a sociedade” a “Artista que não teme nenhum tabu sexual”.

“Teresinha Soares encontrou nos gestos, nas torções, deformações e uniões dos corpos, uma forma de reorganizar os afetos e o lugar da mulher em seu tempo, libertando-a da condição de objeto para torná-la sujeito”, escreveu a curadora independente Fernanda Morse em 2025.

Seu trabalho da época também incluía assemblages e instalações que exigiam a participação do público, como Camas  (1970), para a qual ela colocou três camas no chão do Palácio das Artes, em Belo Horizonte. Refletindo sobre essa obra décadas depois, Soares escreveu no Instagram : “Nada representa melhor o corpo do que a cama. É o seu berço; nela você encontra prazer, descanso e sonhos. É onde a vida nasce e onde encaramos a morte.”

Por vezes, Soares recordava a sua arte com o mesmo humor que nela se imbuía. Caixa de fazer amor (1967) é uma instalação em que dois rostos, aparentemente prestes a beijar-se, se encontram sobre uma caixa com um grande coração vermelho. Para a ativar, os visitantes podiam girar uma manivela que fazia o coração vermelho parecer bater. “Ah, a minha Caixa de fazer amor… ainda me divirto com ela. Começou como uma brincadeira”, disse ela à New City Brasil em 2017. “Costumo dizer que o meu trabalho é aberto e que dispensa rótulos.”

Apesar de sua longa vida, Soares teve uma carreira relativamente curta como artista, começando a produzir arte em 1965 e parando completamente em 1976. No entanto, suas contribuições artísticas, que também incluíram gravuras, esculturas, instalações e performances, deixaram sua marca na história da arte brasileira do final do século XX, que, na última década, começou a ser reconhecida internacionalmente.

Com o início da ditadura militar no Brasil em 1964, sua carreira de 12 anos coincide estreitamente com os primeiros anos do regime repressivo. Assim, ela frequentemente imbuía sua arte com um humor sagaz que confrontava inequivocamente a brutalidade e o conservadorismo da ditadura.

“Meu trabalho”, disse ela na entrevista para a Tate, “estava profundamente relacionado aos eventos sociopolíticos da época e se opunha veementemente à Guerra do Vietnã, ao imperialismo americano, à repressão sexual, à opressão das mulheres, às mortes e torturas de presos políticos em prisões brasileiras e à falta de liberdade de expressão em regimes autoritários”.

Embora tenha sido ativa nas décadas de 1960 e 70, ela e seus colegas artistas brasileiros não se identificavam necessariamente com a Pop Art. Ela contou à Tate Modern que visitou Nova York em 1969, onde viu as obras de Andy Warhol e Roy Lichtenstein e ficou “bem informada” sobre a Pop Art, mas, como artista atuando no Brasil, suas preocupações eram diferentes das de seus contemporâneos americanos.  

“Eu me considero um artista brasileiro com influência da pop art”, disse Soares na entrevista de 2015. “No entanto, a pop art no Brasil diferia muito da pop art nos Estados Unidos, devido ao seu questionamento intrínseco do comportamento social e da política, apesar da ditadura militar que governou o Brasil nas décadas de 1960 e 1970.”

A exposição de 2015 da Tate Modern, “The World Goes Pop”, foi importante para Soares, assim como para diversos outros artistas, sendo reavaliada sob a ótica da Pop Art, um movimento global interpretado de maneiras diferentes em vários países. Na Tate Modern, ela exibiu obras de sua “Serie Şić”.

A exposição “The World Goes Pop” da Tate seria fundamental para a reavaliação de Soares, tanto internacionalmente quanto no Brasil. Em 2017, ela participaria da exposição que redefiniria o cânone artístico, “Radical Women: Latin American Art, 1960–1985”, no Hammer Museum, em Los Angeles, além de ter uma retrospectiva de sua carreira no Museu de Arte de São Paulo, no Brasil, que também publicou sua primeira grande monografia.

“Existem poucos artistas do pós-guerra tão radicais, únicos e transgressores quanto a brasileira Teresinha Soares”, disse Cecilia Fajardo-Hill, uma das curadoras de “Mulheres Radicais”, em um e-mail para a ARTnews . “Ela foi uma pioneira que, a partir da década de 1960, criou arte transdisciplinar que desafiou as convenções sociais, políticas, de gênero e artísticas. Soares definiu sua prática como ‘uma arte erótica de contestação’, conceituando a singularidade de sua celebração da liberdade e do poder da sensualidade feminina, defendendo a feminilidade, o prazer e a emancipação sexual como inseparáveis ​​da liberdade social e política, e da defesa das mulheres e dos direitos humanos.”

Sua primeira exposição individual institucional em mais de 40 anos, a mostra do MASP reuniu mais de 60 obras realizadas entre 1966 e 1973, “muitas delas inéditas ou desaparecidas há décadas”, segundo o museu. Integrando a programação anual “Histórias da Sexualidade”, a exposição foi intitulada “Quem Tem Medo de Teresinha Soares?”.

Fazendo referência à peça de Edward Albee de 1962, Quem Tem Medo de Virginia Woolf ?, bem como a uma manchete de jornal que criticava sua obra, o nome “alude à natureza transgressora, desafiadora e antipatriarcal de seu trabalho”, de acordo com a descrição da exposição do MASP, e levanta a questão: “Quem se incomodou (e ainda se incomoda) com a arte de Teresinha Soares, e por quê?”

 

Teresinha Soares nasceu em 1927 em Araxá, Minas Gerais, Brasil, e viveu em Belo Horizonte e Rio de Janeiro em diferentes momentos de sua infância. Ela foi batizada como Theresinha por seu pai, mas mudou a grafia para Teresinha quando o português brasileiro foi modernizado, conforme relatou em uma palestra de 2003. Durante a década de 1940, foi eleita vereadora em Araxá, a primeira mulher a ocupar o cargo.

Em 1956, ela se casou com Britaldo Soares e, no ano seguinte, tiveram a primeira de suas cinco filhas, Valeska. (Em uma entrevista de 2025 , Valeska disse que inicialmente resistiu à ideia de se tornar artista, estudando arquitetura primeiro, acrescentando: “Quando você é criança, nunca quer ser como sua mãe, certo?”)

Soares começou a estudar arte em 1965, matriculando-se primeiro na Universidade Mineira de Artes e depois na Universidade Federal de Minas Gerais, ambas em Belo Horizonte. Em 1966, mudou-se para o Rio de Janeiro, estudando no Museu de Arte Moderna, onde conheceu alguns dos principais artistas da época, como Ivan Serpa e Anna Maria Maiolino.

Durante seu período de atividade, Soares realizou apenas três exposições individuais, a primeira em 1967 na Galeria Guignard em Belo Horizonte e a última na Petite Galerie no Rio de Janeiro em 1971. Ela também participou das edições de 1967, 1971 e 1973 da Bienal de São Paulo.

Na entrevista para a Tate Modern, Soares disse que nunca se preocupou em vender seu trabalho, especialmente porque muitos deles incluíam materiais efêmeros. “Criar era quase uma necessidade física para mim”, disse ela. “Eu queria me expressar, gritar e ser ouvida. Em meu marido, Britaldo Soares, eu tinha meu mecenas, daí minha liberdade de expressão.”

Embora tenha se concentrado principalmente na pintura no final da década de 1960, a década de 1970 viu Soares se voltar mais plenamente para a performance, com obras como Corpo a Corpo in Corpus Meus  (1970), que combinava poesia, dança e instalação em um trabalho sobre sexualidade, ou Morte  (1973), para a qual ela simulou a própria morte. “Essa performance artística tem um aspecto muito simbólico e, ao mesmo tempo, é bem-humorada. Com essa obra, eu queria profanar a morte, então ela é Vida”, disse ela sobre esta última obra em 2003.

Embora Soares tenha parado de produzir arte depois de 1976, ela afirmou em entrevista à Cidade Nova Brasil que “isso não significou que eu me ausentei do calendário artístico”. Ela simplesmente queria passar mais tempo com os filhos, que eram adolescentes na época. A família também comprou uma fazenda em Ouro Preto, Minas Gerais. “Decidi me tornar agricultora. É uma experiência maravilhosa, aliás”, disse ela.

Teresinha Soares faleceu em 31 de março em Belo Horizonte. Ela tinha 99 anos.

Ela havia sido hospitalizada após fraturar o fêmur e nunca se recuperou, de acordo com sua filha, a artista Valeska Soares, conforme relatado pelo jornal brasileiro Estado de Minas .

“Teresinha Soares deixa um legado que, no presente, mantém abertas investigações sobre desejo, erotismo e expressão”, escreveu a galeria da artista, Gomide & Co., no Instagram , acrescentando que seu trabalho “deu uma contribuição decisiva para as discussões sobre corpo, desejo e subjetividade na arte brasileira”.

(Créditos autorais reservados: https://www.artnews.com/art-news/news – ARTnews/ NOTÍCIAS/ Por Maximiliano Durón – 1º de abril de 2026)