Powered by Rock ConvertJanet Fish, pintora de naturezas-mortas luminosas.
Janet Fish em 1974. “O motivo para pintar vidro era focar totalmente na luz”, disse ela, “e o vidro retinha a luz.” via DC Moore Gallery
Janet Fish (nasceu em 18 de maio de 1938, em Boston, Massachusetts — faleceu em 11 de dezembro de 2025, em Wells, Vermont), foi uma pintora que usou a humilde natureza-morta como uma forma de rebeldia contra o Expressionismo Abstrato, transformando potes de picles, garrafas de vodca e fruteiras em recipientes de luz deslumbrante e beleza despretensiosa.
Teimosa e indiferente às tendências da moda, a Sra. Fish chegou ao cenário artístico de Nova York no início dos anos 1960, após estudar pintura na Universidade de Yale, onde foi ostracizada por se recusar a ser artisticamente seduzida por mestres da abstração como Willem de Kooning e Jackson Pollock .
“Eu queria ser uma boa artista”, disse ela. “Mas eu queria definir o que isso significava.”
À medida que o Expressionismo Abstrato ia perdendo força naquela década, muitos artistas nova-iorquinos se voltaram para o Minimalismo e a Pop Art. A Sra. Fish não os seguiu. Em seu estúdio no Lower East Side, ela colocava frutas e legumes sobre uma mesa perto de uma janela, pintando-os conforme a luz do sol aumentava e diminuía.
“Isso me mantém acordada, e a luz altera as formas e traz novas ideias”, disse ela em uma entrevista de 2009 para a Art Students League de Nova York. “Às vezes, há um momento em que a luz faz algo em um lugar que é realmente empolgante. Eu a incorporo.”
Com o tempo, ela passou a consumir alimentos embalados em plástico e garrafas com diversos líquidos — Windex, vinagre, molho para salada, geleia, mel, licor.
“Comecei a perceber que meu verdadeiro interesse era a luz”, disse a Sra. Fish durante uma entrevista ao Smithsonian Archives of American Art em 1988. “O motivo para pintar vidro era focar totalmente na luz, e o vidro continha a luz.”
Diferentemente de outros artistas de natureza-morta, a Sra. Fish não fotografava os objetos para depois reproduzi-los em tela. Ela pintava os próprios objetos durante dias e, às vezes, meses, deixando que a luz, em constante mudança, influenciasse sua percepção deles.
Ela teve sua primeira exposição importante em 1971 na Galeria Kornblee, no Upper East Side. Os críticos ficaram cativados.
“A Sra. Fish é apaixonada por transparências, por objetos sólidos que consistem em pouco ou nada além de luz, e possui um dom maravilhoso para representá-los com uma precisão fria, porém pictórica”, escreveu Hilton Kramer em uma crítica no The New York Times. “Seu talento é realmente impressionante.”
Suas obras, ricamente coloridas, tornaram-se cada vez mais complexas. Ela continuou pintando copos e garrafas, mas no final da década de 1970 começou a colocá-los sobre espelhos, em frente a paisagens e cenas urbanas, e ao lado de flores, plantas, ovos quebrados, pilhas de pratos e, em pelo menos um caso, uma tigela com um peixinho dourado nadando sozinho em uma tarde ensolarada.
As pinturas da Sra. Fish foram eventualmente adquiridas pelo Metropolitan Museum of Art, pelo Whitney Museum of American Art, pela National Gallery of Art e por outras importantes coleções ao redor do mundo. Algumas de suas obras foram vendidas por mais de 200 mil dólares.
“Ela confere uma dignidade sem precedentes aos potes de geleia ou garrafas de vinho agrupados que retrata com tanta deferência”, escreveu a historiadora de arte Linda Nochlin em “Mulheres, Arte e Poder” (1988). “Os volumes vítreos, cheios de frutas ou líquidos, nos confrontam com a solenidade hipnótica dos mosaicos processionais de Ravena e com um brilho superficial facetado semelhante.”
Algumas pessoas na escola ficaram perplexas. “Então eu simplesmente parei de ouvir todo mundo, e todo mundo parou de falar comigo”, disse ela. “Eu estava recebendo muito pouco retorno.”
“Eu simplesmente me dediquei ao meu trabalho”, disse ela. “E uma coisa levou à outra.”
No início da sua carreira, a Sra. Fish nunca pintou modelos vivos. Em primeiro lugar, porque eles frequentemente chegavam atrasados. Mas, além disso, ela apreciava a serenidade de trabalhar com naturezas-mortas.
“Há algo especial em pintar uma natureza-morta, um tipo de contemplação que não está presente quando se pinta uma figura humana”, disse ela em uma entrevista com o artista e crítico Don Gray em 1971. “Acho que você entra em uma espécie de devaneio quando pinta uma natureza-morta. Você se desliga completamente de tudo e mergulha neste mundo.”
Janet Fish morreu em 11 de dezembro em sua casa em Wells, Vermont. Ela tinha 87 anos.
O marido dela, o autorretratista Charles Parness , disse que a causa foi uma recorrência da hemorragia cerebral que a obrigou a parar de pintar há mais de uma década.
Os casamentos da Sra. Fish com Rackstraw Downes e Edward Levin terminaram em divórcio. Ela conheceu o Sr. Parness em 1979; eles se casaram em 2006.
(Direitos autorais reservados: https://www.nytimes.com/2026/01/01/arts/design – New York Times/ ARTES/ DESIGNER/ por Michael S. Rosenwald – 1º de janeiro de 2026)
Michael S. Rosenwald repórter para o The New York Times.
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