Uma escultora de 35 anos caiu para a morte de seu apartamento no 34º andar em Greenwich Village no domingo, e seu marido – um escultor de reputação internacional – foi preso e acusado de empurrá-la pela janela.

A vítima foi Ana Mendieta, que recebeu uma bolsa Guggenheim em 1980 e foi representada em várias exposições.

Seu marido, Carl Andre, 49, é um dos fundadores da escola minimalista de escultura. De acordo com John Russell, principal crítico de arte do The New York Times, seu trabalho “consistia em combinações austeras de placas de aço, blocos de madeira, tijolos e outros materiais prontos do dia-a-dia”.

Ontem, no Tribunal Criminal, o juiz Max Sayah ordenou que o Sr. Andre fosse mantido sob fiança em dinheiro no valor de $ 250.000.

Ministério Público cita testemunha

O promotor distrital Robert M. Morgenthau, de Manhattan, disse que um transeunte ouviu gritos “consistentes com alguém sendo jogado pela janela”. Havia sinais de luta no apartamento e arranhões no rosto do suspeito, acrescentou o promotor. .

Ele disse que a motivação do crime ainda está sendo investigada.

Os dois artistas estavam casados ​​desde janeiro e moravam na Mercer Street, 300, entre a Waverly Place e a East Eighth Street. O Sr. André também tem casa na Itália.

De acordo com o relato da polícia, a senhorita Mendieta morreu às 5h30 de domingo. O relatório inicial da polícia disse que ela “saltou ou caiu” para a morte.

O Sr. Andre originalmente disse à polícia que teve uma briga com sua esposa e que ela entrou no quarto do apartamento deles, disse o relatório.

Alguns minutos depois, disse o relato, ele supostamente foi para o quarto, mas não conseguiu encontrá-la. Seu corpo foi encontrado mais tarde em um telhado de extensão do segundo andar.

Prisão realizada na noite de domingo

O Sr. André foi preso às 20h45 de domingo. A polícia não disse o que os levou a acusá-lo do assassinato de sua esposa.

O Sr. Russell, crítico do The Times, disse que o Sr. Andre é “internacionalmente conhecido como um artista talentoso e sério desde o final dos anos 1950”.

Russell disse que recentemente Andre criou um “Stonehenge pessoal” em Quincy, Massachusetts, onde ele nasceu. A escultura consistia em formas de pedra gigantes dispostas para representar a passagem do tempo em Quincy.

A senhorita Mendieta – que não tinha uma reputação artística tão grande quanto a de seu marido – foi uma das 26 artistas representadas em uma exposição de outubro de 1982, “Women of the Americas: Emerging Perspectives”. American Relations, 680 Park Avenue, e Kouros Gallery, 831 Madison Avenue.

Em maio daquele ano, seus trabalhos foram incluídos na Exposição de Pintura, Desenho e Escultura da Nova Inglaterra, realizada no Silvermine Guild Center for the Arts em New Canaan, Connecticut.

Miss Mendieta nasceu em Cuba e foi enviada pelos pais para os Estados Unidos depois que Fidel Castro assumiu o poder. Ela estudou com Robert Wilson na Universidade de Iowa e recebeu uma bolsa Guggenheim.

A senhora Mendieta nasceu em Havana em 1948. Em 1961, foi enviada por seus pais aos Estados Unidos, onde viveu vários anos em orfanatos e lares adotivos. Através de earthworks, body art, process art e feminismo, ela encontrou formas de lutar contra seu senso de exílio. A maior parte de sua arte foi feita ao ar livre, onde ela buscou uma união com forças primordiais, povos e épocas com os quais se identificam. Onde quer que ela fosse – seja em folhas, grama, lama, casca de árvore ou na parede de uma caverna – ela alistava um exército de deusas da fertilidade, algumas sacrificadas ao momento, outras escritas em pedra.

Seu trabalho é fortemente dependente da ideia de espaço negativo que tem sido tão importante para a arte do século 20 desde o cubismo. Ela usava silhuetas constantemente. É seu sentimento pelo vazio ao redor do qual ela moldou lama e galhos – tanto quanto seu senso de textura e gesto – que torna suas esculturas convincentes. A força política de sua arte tem muito a ver com seu esforço de dar ao espaço negativo uma presença e voz positivas.

Muitas das 159 obras da mostra são fotografias. Eles fornecem um registro histórico, mas são mais do que apenas documentos. Eles capturam o humor e o peso dos montes e orifícios terrestres que a Sra. Mendieta cortou e construiu e usou em rituais de sacrifício. As configurações violadas e desintegradas da terra e da folhagem eram adereços de um processo artístico que tinha tudo a ver com exorcismo e magia.

Nas esculturas que o artista esculpiu em cavernas durante uma visita a Cuba em 1981, as formas femininas generalizadas estão ao mesmo tempo encravadas e protegidas dentro da terra. Em uma fotografia de 1977 da série “Árvore da Vida”, a Sra. Mendieta está nua em frente a uma árvore, coberta de lama para que sua cor a identifique com os povos indígenas de todos os lugares. Suas mãos estão levantadas em posição de oração, celebração, rendição e execução, todos ingredientes essenciais no caldeirão de seu trabalho.

Dona Mendieta fez esculturas de todos os tipos de materiais naturais. Em “Fernwoman” de 1985, raízes de samambaias escuras são combinadas e combinadas em uma versão moderna de um ídolo de New Hebrides. Ela precisava de um grau de crueza e confusão. As peças de areia e barro de 1984, lisas, montadas sobre madeira e planas no chão como rissóis, ou recortes de Matisse, são as ideias mais incipientes da mostra.

A complexidade da obra de Mendieta pode ser sugerida por seus paradoxos. Embora seja impulsionada por um desejo profundo de quebrar seu senso de solidão e exílio unindo-se à natureza, essa união só poderia ser alcançada das maneiras mais solitárias. Se ela não se comunicasse com cavernas e folhas em seu próprio idioma particular, eles não teriam chance de reconhecê-la. Quanto mais convincente a união, mais ela a diferenciava.

Seu trabalho é insistente e discreto, terno e violento. Dona Mendieta gostava de fogo, usava-o como meio de purificação, certa vez deixando a grama queimar por três dias antes de deixar a marca de uma deusa na terra. Em suas lajes de madeira e troncos de árvores, ela concebeu deusas com pólvora, desenhando a forma, depois acendendo o pó para que a imagem fosse marcada na madeira. Suas formas sombrias são anônimas e indeléveis. O caminho que Dona Mendieta estava trilhando é cheio de obstáculos e contradições. Também é importante. É extremamente lamentável que ela não tenha conseguido seguir até o fim.

Muitos trabalhos sugerem fósseis. Em “Origins and Endings”, três conjuntos de formas de pedra jazem sobre uma cama de placas quadradas como figuras descobertas em uma tumba. Vários rebocos foram moldados de bueiros italianos, trabalhados com resina e colocados em uma parede para que pareçam selos antigos. Os rebocos de ”Cascade” foram moldados a partir de diferentes marcas de pneus e instalados diagonalmente em uma parede, sugerindo fragmentos de um relevo antigo.

”Comhla-Ri” (uma palavra gaélica que significa ”junto com”), a maior e mais eficaz peça de piso, também se parece com pedra antiga. Embora este arco escultural de 30 pés de comprimento pareça fluir como água, despejando-se de uma galeria lateral para o salão principal, ele também foi construído, em parte, de cimento, lançado sobre areia, que rachou por conta própria e decidiu, por meio de sua fluxo, sua própria largura e comprimento.

Os dois trabalhos mais recentes utilizam materiais encontrados. ”Talahm” tem 25 pés de comprimento e consiste em tiras de pedra que sugerem veias, ou costelas, ou os ossos de um enorme pé pré-histórico. A pedra foi retirada de uma pedreira. Na galeria, as tiras foram afastadas e uma extremidade foi levantada e enganchada em uma viga de ferro. Em “Crann”, Jagger cortou quatro grandes seções ocas de um cedro morto e as pendurou em uma viga de aço, como efígies ou pedaços de carne. O interior e o exterior da madeira sugerem pele e ossos humanos, outro sinal da crença de Jagger de que os seres humanos e a natureza devem ser examinados juntos.

Marie Bourget Farideh Cadot Gallery 470 Broome Street Até amanhã

Esta é a primeira exposição em uma galeria de Nova York para Marie Bourget, uma artista conceitual francesa elegantemente provocativa que causou sensação em exposições coletivas no Museu Guggenheim e no Novo Museu de Arte Contemporânea. Quase tudo nesta exposição tem a ver com a visão e a vida da classe média. Existem três balcões de vidro idênticos, cada um com cerca de 20 centímetros de altura, instalados na altura dos olhos em uma parede. Há duas fotografias idênticas em preto e branco de uma lâmpada e duas mesas idênticas feitas para montagem de impressões. Há um espelho. Existem três pedestais idênticos, como pequenos tronos, cada um com uma abertura como uma janela.

Cada trabalho está em branco. Por exemplo, não há nada nos pedestais; os suportes de impressão estão vazios. Tudo no chão e na parede é instalado em uma altura diferente. Como resultado, a exposição desvia nossa atenção do objeto para o ato de olhar, os meios de apresentação e o espaço da galeria. A primeira impressão é que tudo é simples e transparente. No final, há uma sensação de cegueira, e os objetos parecem estar olhando para nós.

Se isso soa acadêmico, não é. Todos os objetos geométricos são tão cuidadosamente considerados e tão inter-relacionados que a exposição produz uma sensação de irritação prazerosa, não muito diferente da sensação gerada pelo ”Objeto Invisível” de Giacometti e muitos objetos surrealistas. A Sra. Bourget faz com que a experiência da cegueira e da insuficiência pareça não apenas aceitável, mas também estranhamente completa. Gretna Campbell Ingber Gallery 415 West Broadway (na Spring Street) Até amanhã

Esta mostra memorial para a pintora Gretna Campbell, que morreu em julho passado, inclui retratos, nus e paisagens dos últimos 15 meses de sua vida. Eles continuam sua luta entre o naturalismo e o expressionismo, entre a necessidade de diferenciar e a necessidade de apresentar tudo em um estado gestual indiferenciado. O estudo de um nu é extremamente preciso. Há retratos e paisagens em que coexistem cores e formas precisamente delineadas e explosivas. Outras paisagens são tão gestuais quanto qualquer pintura que Campbell fez.

A confiança e o prazer nessas pinturas as tornam geralmente festivas. Em Cemetery, Stillwater, as árvores e a folhagem, emolduradas por uma borda distante de colinas, decolam por conta própria. Em “Studio From the Garden”, tudo está em flor, e os canteiros de flores e as árvores parecem celebrar e proteger o estúdio atrás dele. Em “Retrato”, uma jovem, robusta e imóvel como uma mulher de Carlo Carra, é envolvida por uma erupção de cor que ameaça fazer explodir a estrutura acadêmica da pintura. Ao longo da mostra, há sinais dos diálogos contínuos de Campbell com pintores importantes para ela, dos mestres da Renascença a Delacroix e Cézanne.