Leo Steinberg (Moscou, 9 de julho de 1920 – Nova York, 13 de março de 2011), crítico de arte que nasceu em Moscou. Passou a infância em Berlim (1923-1933) e depois mudou-se para Londres, onde estudou na Slade School, entre 1936 e 1940. Após a Segunda Guerra Mundial, estabeleceu-se em Nova York.

Nascido na Rússia, o crítico de arte Steinberg cresceu na Alemanha e mudou-se para os EUA aos 25 anos. Foi um dos principais estudiosos da arte americana do pós-Guerra e produziu importantes ensaios sobre Jackson Pollock, entre outros pintores.

Estudou história da arte no Institute of Fine Arts, Universidade de Nova York, defendendo doutorado em 1960 com uma tese sobre o arquiteto barroco Borromini.

Lecionou História da Arte na Universidade da Cidade de Nova York (1962-1975) e na Universidade da Pensilvânia (1975-1991), onde atualmente é professor. Publicou e proferiu inúmeras palestras sobre o renascimento, o barroco e a arte do século XX, incluindo estudos sobre Filippo Lippi, Mantegna, Michelangelo, Pontormo, Guercino, Rembrandt, Jan Steen, Velázquez, além de Picasso, Jasper Johns e Robert Rauschenberg.

Steinberg morreu em Nova York, dia 13 de março de 2011, de causas naturais, aos 90 anos.

(Fonte: http://editora.cosacnaify.com.br/Autor/411/Leo-Steinberg)

(Fonte: http://www1.folha.uol.com.br/fsp/ilustrad/fq1603201127 – ARTES PLÁSTICAS – FOLHA DE S. PAULO – ILUSTRADA – 16 de março de 2011)

 

 

 

Leo Steinberg – Vida e trabalhos sobre estética

Leo Steinberg, um dos historiadores de arte mais brilhantes, influente e controverso da última metade do século 20, morreu no domingo em sua casa em Manhattan. TInha 90. Sua morte foi confirmada por sua assistente, Sheila Schwartz.

Sr. Steinberg era um professor inspirador, um escritor de eloqüência impressionante e um estudioso e crítico aventureiro que amava a desafiar ortodoxias reinantes do mundo da arte. Embora treinado no estudo do Renascimento e do Barroco eras, ele escreveu brilhantemente sobre a arte moderna, como o fez com os velhos mestres.

Os títulos de seus dois mais conhecidos livros, “Outros critérios: confrontos com a arte do século XX” (1972) e “A Sexualidade de Cristo na Arte Renascentista e Moderna Oblivion” (1983), sugerem a gama de seus interesses. O volume prévio, uma coleção de ensaios escritos entre 1953 e 1971, inclui meditações estendidas sobre Picasso e Jasper Johns, bem como opiniões mais curtas de artistas como Willem De Kooning, Philip Guston e Raoul Haia que ele escreveu durante um breve período em meados da década de 1950 como um crítico regular para Arts Magazine.

Em “Outros Critérios” ele expôs seus termos filosóficos. No ensaio “O olho é uma parte da mente”, publicado pela primeira vez em 1953, e no ensaio título, a partir de 1971, o Sr. Steinberg falou contra o formalismo, em seguida, a abordagem dominante para análise de arte, com a sua visão de que o valor de uma obra artística não está em seu conteúdo, mas em sua forma, linha, cor e outros elementos visuais.

“Até a arte não objetiva continua a perseguir o papel social da arte de fixar o pensamento em forma estética, fixando as concepções mais etéreas da época em projetos vitais”, escreveu ele em “O olho é uma parte da mente.”

Em “Outros Critérios”, declarou ele, “Considerações de ‘interesse humano’ pertencem à crítica da arte modernista não porque somos incuravelmente sentimentais sobre a humanidade, mas porque é da arte que estamos falando.”

Tais argumentos ajudaram a libertar toda uma geração das leis restritivas de estética formalista, abrindo o campo para formas mais amplas de estudar significado e representação na arte.

Sr. Steinberg não simplesmente substitui interpretação de conteúdo pela análise da forma. Pelo contrário, era a sua capacidade de mostrar como a forma e o conteúdo estão interligados que fez sua escrita tão reveladora. Sua capacidade de descobrir cada vez mais profundeza e níveis mais interligados do significado na forma e imagem de uma obra de arte deu a escrever uma excitação narrativa, como a de uma história de detetive.

Mas também o expôs a acusações de super-interpretação por seus colegas mais circunspectos. Em sua revisão do Sr. Steinberg livro “últimas pinturas de Michelangelo” (1975), o historiador de arte eminente EH Gombrich alertou contra a tendência do Sr. Steinberg especular sobre significados supostamente improváveis. “Ele produziu um livro a ser muito considerado”, Gombrich concluiu, “mas um modelo perigoso de se seguir.”

Pelo independente Steinberg, no entanto, a presuposição de riscos não era para ser evitada. Em seu ensaio de 1967 “Objetividade e do auto encolhimento (Eu diminuto)”, lamentou a timidez intelectual da história da arte de seu tempo. Por que, ele perguntou, foi o trabalho de jovens estudiosos (scholars) tão manso e convencional? Teve esta disciplina negociado a imaginação humanista por cautela, profissionalismo quase-científico?

Dezesseis anos mais tarde, o Sr. Steinberg seguiu este desafio com um dos estudos de história da arte mais provocativos do século 20, “A Sexualidade de Cristo na Arte Renascentista e no Oblivion Moderno”. O livro surgiu de uma questão que, aparentemente, ocorreu a nenhum outro estudioso moderno: Por que é que em muitas pinturas renascentistas da Madonna and Child, órgãos genitais do bebê Jesus são ativamente exibidos para os telespectadores, tanto dentro e fora do quadro?

A explicação, o Sr. Steinberg argumentou, era para ser encontrada na teologia da Renascença, onde a questão principal diz respeito à humanidade do Filho de Deus. Aqui, a posse dos órgãos reprodutivos provou que Jesus, seja qual for o seu estatuto metafísico, era de fato plenamente humano e sujeito ao sofrimento humano.

“A Sexualidade de Cristo” provocou uma resposta crítica dividida. Os que o apoiavam vinham isso como uma conquista revolucionária; já os céticos questionaram a interpretação da evidência visual do Sr. Steinberg. Escrevendo em The Book Review do New York Times, em 1984, o filósofo Richard Wollheim chamou Mr. Steinberg “um dos mais agudos intelectos que trabalham no campo da história da arte”, mas questionou sua objetividade.

“O aspecto mais preocupante desse estranho e assombroso livro, com a sua grande ousadia de concepção”, Wollheim escreveu, “é o silêncio que mantém firme em todos os pontos de vista alternativos.” (Sr. Steinberg rebateu as críticas de Wollheim em edições posteriores.)

Ninguém poderia dizer, no entanto, que “a sexualidade de Cristo” não foi uma leitura atraente. Em um campo não conhecido pela prosa animada, o Sr. Steinberg deu uma escrita acadêmica a uma voz pessoal: didática, muitas vezes com urgência polêmica, mas generosamente ruminante, enriquecida por metáforas vivas, repleta de vocabulários desconhecidos e às vezes como moeda corrente idiossincrasias, mas felizmente livre de jargões.

“O que ele evita acima de tudo, é o toque final”, disse Steinberg escreveu de Rodin “, seu sonho secreto é para manter todos os trabalhos em curso como um fogo alimentado -. Sempre, se possível”

Em 1983, o Sr. Steinberg se tornou o primeiro historiador da arte para receber um prêmio de literatura da Academia Americana e Instituto de Artes e Letras. Sua habilidade de escrita se baseou em sua própria leitura profunda da literatura. “Ele sabia Dickens e Joyce de cabo a rabo, e ele teve um melhor conhecimento de Shakespeare e do romance Inglês do que muitos profissionais da área”, Helen Vendler, a crítica e professora de Inglês na Universidade de Harvard, disse em uma entrevista. Ela fez amizade com ele depois que ele deu as Conferências Norton lá em 1995-96.

Sr. Steinberg era uma figura alta, elegante, quase que invariavelmente, com um cigarro na mão. Um fumante inveterado, ele disse em uma entrevista de história oral, em 1998, que seu único período de pausa intelectual veio em 1960, quando tentou, sem sucesso, parar de fumar.

O historiador de arte Richard Shiff lembrou o Sr. Steinberg como todos, mas consumido pela arte. “Ele não tinha carro, não tinha segunda casa”, disse Shiff. “Ele não estava particularmente interessado em comida, nem em roupas finas. Ele não era um consumidor. Eu duvido que ele nunca tirou férias. Quando ele viajou, foi para ver arte, ou visitar um arquivo.”

Sua mente analítica até mesmo se mostrava em seu senso de humor, o Sr. Shiff acrescentou. “Ele iria apreciar a risada e depois iria quer descobrir por que a piada era engraçada.”

Sr. Steinberg da escrita próprios artistas influenciados, disse Robert Storr, pintor e diretor da Escola de Arte da Universidade de Yale. “Junto com Meyer Schapiro e um punhado de outros estudiosos, ele viu em termos que foram úteis para os artistas”, disse Storr. “Ele poderia ter uma, a meditação filosófica extremamente elaborada e trazê-lo para coisas específicas, utilizando-se os encontros com obras de arte no tempo e no espaço.”

Realização literária do Sr. Steinberg foi ainda mais notável pelo fato de que o Inglês era a sua terceira língua. Ele nasceu Zalman Lev Steinberg em Moscou, em 09 de julho de 1920, filho de Isaac Nachman Steinberg, advogado ferozmente intelectual e figura governamental na Rússia revolucionária, sua mãe, Anyuta Esselson Steinberg, veio de uma família rica, foi bem educada e tinha inclinações artísticas. Lenin nomeou Isaac Steinberg comissário de justiça, mas seu idealismo sincero – ele queria abolir o sistema prisional – levou-o em conflito com os bolcheviques e para o exílio. Quando menino Sr. Steinberg aprendeu alemão depois que sua família mudou-se para Berlim.

Pouco depois de Hitler assumir o poder, a família mudou-se novamente, desta vez para a Grã-Bretanha, onde o Sr. Steinberg aprendeu Inglês. Aos 16 anos, ele entrou Slade School of Fine Art da Universidade de Londres, recebendo seu diploma em 1940 para trabalhar na escultura e desenho que ele mais tarde modestamente descartou como hábil, mas excessivamente conservadora.

Depois da guerra, a família se mudou para Nova York, estabelecendo-se no Upper West Side de Manhattan. Sr. Steinberg, uma espécie de início tardio, fez redação freelance, edição e tradução, ensinou desenhos da vida (Em oposição à arte morte) e estudou filosofia, antes de finalmente focar na história da arte com seus 30s anos. Logo publicações como Partisan Review and Arts Magazine estavam publicando seus ensaios, e ele chamou grande atenção para uma série de palestras que deu no 92nd Street Y, em 1951, intitulado “Uma Introdução à Arte e Estética prática.”

Ele recebeu seu doutorado na New York University Institute of Fine Art, em 1960, com uma tese sobre o arquitecto barroco Francesco Borromini. No ano seguinte, com a idade de 42, ele assumiu seu primeiro trabalho em tempo integral, como professor de História da Arte no Hunter College, onde permaneceu até 1975. Ele então se mudou para a Universidade da Pensilvânia, a partir do qual se aposentou em 1991.

Ele também foi professor e docente na Universidade de Stanford, Berkeley, Princeton, Columbia e Harvard, entre outros, e palestras em museus e galerias de todo o país. Professor Vendler chamado suas palestras fascinante.

Em 1962 Sr. Steinberg se casou com o Dorothy Seiberling, uma editora de arte da revista Life. O casamento acabou em divórcio. Sr. Steinberg, que não tinha filhos, deixa sobrinhas e sobrinhos, os filhos de suas irmãs.

Em 2002, depois de uma temporada de professor na Universidade do Texas em Austin, ele doou sua coleção particular de 3.200 impressões para a Faculdade de Belas Artes de lá. A coleção, avaliada em US $ 3,5 milhões, varia de gravuras de Michelangelo, Rembrandt e Goya para os de Matisse, Picasso e Jasper Johns.

No final da vida, ele publicou “Encontros Com Rauschenberg” (University of Chicago Press, 2000), baseado em uma palestra sobre Robert Rauschenberg, e um livro sobre a popularidade de Leonardo da Vinci “A Última Ceia”, chamado “Incessante Última Ceia de Leonardo da Vinci” (Zone Books, 2001).

Em toda a escrita do Sr. Steinberg é uma clara convicção de que, para estudar e escrever sobre a arte é muito mais do que um exercício acadêmico, ele acreditava que em arte nossos valores humanos mais profundos estão em jogo.

“É da natureza da arte contemporânea de se apresentar como um risco ruim”, ele escreveu em uma de suas mais conhecidas composições, “Arte Contemporânea e a situação de seu público” (1962). “E nós, o público, os artistas incluídos, devem estar orgulhosos de estar nesta situação, porque nada mais parece-nos bastante fiel à vida;. E a arte, afinal, é suposto ser um espelho da vida”

(Fonte: http://projetophronesis.com/2013/06/25 –

(Fonte http://www.nytimes.com/2011/03/15/arts/design/leo-steinberg – Tradução de Paulo Abe – Projeto Phronesis – 25 de jun de 2013)

Daniel E. Slotnik contribuíram com reportagem.